GALLERY MoMo Ryogoku is pleased to present a solo exhibition by Hideyuki Nagasawa titled “C-Transmission II: Necropolis – Island,” from Saturday, June 1st to Saturday, July 6th, 2024.
This exhibition is a sequel to his 2022 solo show “C- Transmission – Memory of the Eye.” The works on display are based on dreams Nagasawa had during the COVID-19 pandemic. He created these works by first drawing pencil sketches, then photographing them, further processing them with Photoshop, and finally printing them out using a high-function printer.
In the previous exhibition, the narrative involved “us” being told by a rabbit, “This is the kotatsu of the dead. You cannot enter here because you do not have bodies. Get out quickly!” As we wandered around, we entered a world of the dead, a world beyond time and space. However, in this exhibition, the scene starts with us entering Necropolis, the city of the dead.
According to Nagasawa, memories of the Necropolis in Tarquinia, Italy, which he visited several times before, have been revived along with the wars in Ukraine and Gaza. Just as the previous exhibition responded to the ‘riddle’ posed by COVID-19, this time the themes of war and death are reflected in his works as a ‘riddle.’
In the works in this exhibition, stones are frequently featured as motifs related to the dead, and actual stones will also be exhibited. A significant theme in these works is the presence of the dead, expressed in phrases such as “...the dead and stones are equal” and “The most remarkable thing is that at that moment, the dead are with the living” (C-Communication 119-1).
Another major theme Nagasawa addresses is the concept of the “body.” This is not merely a return to the physical body but rather the idea that the body, which is fading in modern times, is constantly being observed from the perspective of the dead, questioned by stones, coral, and strata. The meaning of the “body” is revealed in the fact that “we” finally arrive at the island of memory, which is also the island of the body.
None of the actual drawings on paper are in this exhibition. However, it is clear that the pigment ink on matte paper, presented as artwork, is distinct from transparent images seen on computers or smartphones, representing a physical “body.” For Nagasawa, this is the result of the fusion of the human hand (literally, the body) and the hand of the device (another body). Furthermore, a single painting on display is related to the particles that make up the world and is connected to the particles that make up stones. This is also a response to the diffraction grating (structural color) presented in the previous exhibition.
Hideyuki Nagasawa was born in 1947 in Saitama Prefecture. After graduating from Musashino Art University in 1972, he began full-fledged activities as an artist in 1979, following a career in filmmaking. He has continued to present his paintings at galleries and museums. Until 2018, he taught and nurtured young artists in the oil painting department at Musashino Art University (currently an honorary professor at the same university), and since 2018, he has been a guest professor at Kobe Design University, guiding students in their creative work.
In his early works, the “Landscape-◯◯” series, he pursued the “landscape” where humans could exist, continuously presenting works that raised questions about the mechanisms of seeing (Megamiru) and the issues of scale and perspective in depicted objects.
In the series of skin-like works created with dots that he has been working on since 2000, he attempts to answer the primal question of how depth can emerge on a two-dimensional surface. His exhibitions, such as “All Human Figures That Appear in Paintings Are Ghosts” in 2014, “psychic room” (Drawings + Texts), and “Ghosts of Future” in 2017, explore the interpretation of visual images separate from humans, layering the depth of painting with issues of space, time, and memory.
Moreover, the collaborative exhibition “Big Godzilla, Little Godzilla,” initiated from his admiration for the 1954 film “Godzilla” and involving students, connected the atomic bombings in Bikini Atoll with the Fukushima nuclear disaster. It was displayed in several museums, evoking significant reactions as it mixed serious issues with the joy of creation. The ongoing project “Dialogue ‘When I Was Born’” since 2015, born through conversations with residents of Amami and Kobe, led to the form of drawings and words in the “C-Transmission” series.
In the previous exhibition, Mr. Kazuhiro Yamamoto contributed an essay. This time, we have completed the catalog with a contribution from Mr. Noi Sawaragi. We hope you will take it in your hand at the venue and appreciate it as a work alongside the exhibition.
GALLERY MoMo 両国では、2024年6月1日（土）から7月6日（土）まで長沢秀之の個展『「C通信Ⅱ」ネクロポリ- 島』を開催いたします。 本展は、2022年の個展『「C通信」— 目の記憶 -』の続編となる展示で、長沢がコロナ禍で見た夢をもとに描いた鉛筆ドローイングを写真に撮り、さらにPhotoshopで加工し、高機能プリンターでプリントアウトするという過程を経て展開してきた作品の展示となります。 前回の作品では“オレたち”がひとウサギに「ここは死者のこたつです。オマエらはここに入れない。なぜならボディをもっていないからだ。早く出て行け！」と言われ、あちこちさまよう中で、死者の世界、時空を超えた世界に入っていくという構成で制作されました。しかし、本展では、はじめから死者の街であるネクロポリに入っていく場面が描かれています。長沢によれば、以前何回か訪れたことがあるイタリア、タルキニアのネクロポリの記憶が、ウクライナやガザの戦争とともに蘇ったと言い、前回の展示が、COVID-19からの『なぞかけ』に応えようとするものであったように、今回は戦争や死が『なぞかけ』として作品に反映されています。今回展示する作品には、死者に関連する記述やモチーフとして石が頻繁に取り上げられ、実際の石も展示される予定です。その中で、「…死者と石は平等である」という言葉と共に「もっともめざましいのは、そのとき死者が生者とともにいることだ」（C通信119-1）と述べられているように死者の存在が大きなテーマとなっています。 そして、もうひとつの大きなテーマとして長沢は「ボディ」について描き、言及しています。これは単純な肉体回帰的な意味でのボディではなく、現代にあって消えかかっていく肉体が、常に死者の側から見つめられ、石、珊瑚、地層から問いかけられています。そして“オレたち”が最後にたどりつくのが記憶島(きおくしま)であり肉体の島でもあることに「ボディ」の意味が表れていることでしょう。 今回も、実際に紙に描いたドローイングは一点も展示されていません。しかし、作品として展示されている顔料インクのマット紙も、パソコンやスマホで見る透明な画像とは違ってひとつのボディとして区別されていることは明らかです。長沢にとってそれは人間の手（文字通りのボディ）とデバイスの手（もうひとつのボディ）による結合の結果でもあるのです。また、展示される一点の絵画は、世界を構成する粒子に関連したものであり、石を構成する粒子ともつながっています。これは前回の展示で提示した回析格子（構造色）へのひとつの応えにもなっています。
前回、山本和弘氏に寄稿していただきましたが、今回は、椹木野衣氏の寄稿を得て、カタログを完成させました。会場にてお手に取っていただき、一つの作品として展示と共にご高覧いただけましたら幸いです。
長沢秀之は1947年埼玉県生まれ、72年武蔵野美術大学卒業後、映画制作などを経て、79年から美術作家として本格的な活動を始め、ギャラリーや美術館で絵画作品の発表を続けてきました。また2018年まで武蔵野美術大学油絵学科で若手作家の指導、育成 にあたり（現在、同大学名誉教授）、2018年から2022年までは神戸芸術工科大学の客員教授としても学生の制作指導に取り組んでいます。
初期作品の「風景-◯◯」シリーズでは、ひとが存在しうる「風景」を追求し、そこから見ることの仕組み（メガミル）や描かれ るものの大小と遠近の問題などを提起する作品を発表し続けてきました。
2000年から進めてきたドットによる作品の皮膜シリーズでは、２次元の平面に奥行きが生じるという絵画の原初的疑問に応えよ うとしています。一方で2014 年の当ギャラリーで発表の「絵画の中のあらゆる人物は亡霊である」展、ドローイング＋文章の「心霊教室」展、2017年の「未来の幽霊」展などは、画像がもつ人間とは別の視覚の解釈に絵画の奥行きを重ね、空間だけでなく時間や記憶の問題も提起してきました。
また、1954年の映画「ゴジラ」への敬愛から始めた学生とのコラボレーションによる「大きいゴジラ、小さいゴジラ」展は、ビ キニ環礁での米国の核実験の被爆と福島原発事故を結びつけ、深刻な問題と制作の楽しさが混じった展示として、いくつかの美術館でも展示され、大きな反響を呼びました。さらに2015年から続く「対話『私が生まれたとき』」は、奄美や神戸の住民との対話を通して生まれたプロジェクトで、ドローイングとことばによる展示のかたちは今回の「C通信」シリーズにつながっています。
